比较一下作品这是在罗丹之前流行的雕塑风格：弗朗索瓦.吕德《马赛曲》学过素描的话，你大概会见过图中下排中央人物的头像，即画室里常说的"马赛"这件创作于19世前期的雕塑可被称作当时新古典主义雕塑的典范当时新古典主义雕塑的特点之一是注重叙事性，雕塑的题材、人物形象、布局的选择都是为了服从叙事的需要。
以《马赛曲》为例，作品表现了什么？表现的是图中雕塑下排一行战士们发现上方自由女神时的兴奋，处于整个雕塑中心的"马赛"和上方的"胜利女神"仿佛招呼其他人一起前进，迈向光明的未来。从《马赛曲》中，你可以很直观的看到整个雕塑的含义：一行人从远处走来，在途中发现了自由女神，于是深受鼓舞，继续一同迈向光明的未来。虽然作者只塑造了马赛战士们仰望女神的那一刻，但我们会脑补出以上的那段画面。作者通过自己的艺术处理让雕塑作品向我们叙述了一段故事，而这段故事的很大程度上便是整个雕塑的含义，是整个雕塑的重点，通过这个故事，我们才能理解雕塑作品。
十九世纪的雕塑家们正是被要求在雕塑创作上体现叙事性，雕塑作品需要向观众讲故事。再来看下罗丹在十九世纪晚期创作的作品《地狱之门》。这件作品也是罗丹的代表作之一。，你能从这个作品中看出什么？整个青铜门黑乎乎的，即使仔细看，你也很难在门面上看到一个能够理解的故事剧情，你能认出来的，大概是作品上方中央的"思想者"和最顶上的三个人体，仔细一看，嘿，这三个人体还是一模一样的。不仅如此，虽然当时的甲方要求罗丹将整个雕塑制作成关于但丁《神曲》的题材，但在整个作品中，你只有在左大门儿的最下方才能找到两组和《神曲》故事直接有关的雕像：《乌格利诺和他的儿子们》和《保罗和弗朗西斯卡》，但罗丹也丝毫没有想要强调这两组雕像的意思，事实上，乌格利诺正在死去的儿子和保罗其实又是同一个人像。
那么，在这件作品中反复出现的人像意味着罗大师对自己作品的不上心吗？并不，事实上从1880年直到去世，罗丹创作的所有雕塑原本都是为了《地狱之门》的项目制作的，更别说这是罗丹通过当时在法国文化部的关系得来的委托项目。因此，罗丹在这件作品上的处理并不是为了敷衍，而是为了反抗新古典主义雕塑作品的叙事性。
以门顶上的三个人像为例：当时新古典主义雕塑中有一个核心的表现手法：三人像群组。要说新古典主义艺术家们爱用这个手法的原因就得提到当时雕塑理论上流行的"正面性"理论，简单来说，像你去看油画或者浮雕一样，你只能站在画和浮雕的正面去欣赏它们，您要是从侧面看就只能看见个框儿了。
当时的新古典主义雕塑家也为观众提前设定好一个观看角度，他们的追求就是让你站在这个设定好的角度上就能领略雕塑的四面八方。可是只靠一个单一的人体很难实现这一目标，于是雕塑家在一个作品中放入三个人体雕塑，例如一个正面向观众，一个背面向观众，还有一个侧面朝着观众，这样你即使固定在一个视角上也能想看屁股看屁股，想看胸脯看胸脯了。为了美观，三个人像的动态还会稍有不同，一个直点儿，一个屈点儿，这样从远处看来便显得错落有致。这种三人像群组往往还和《马赛曲》一样带有些叙事性，比如三个女神在嬉戏。
而罗丹的这三个人像可以说是对这一传统手法的嘲讽，你肯定听过"从前有座山，山里有座庙，庙里有个老和尚在给小和尚讲故事，讲的是从前有座山，山里有座庙。"的故事，罗丹的这三个小人像要达到的就是这个效果，说专业些，这叫做"通过重复性创造了一种彻底自我指涉的符号"。
先看第一个，嗯不错，看第二个，嗯？怎么和前一个一样，看第三个，嗨，和着三个都一样，就是转了个圈儿，连摆放高度都一样。所以你在这三个小人上，看不到也想象不出任何有意义的故事。可以说，罗丹从一开始就没有让作品叙事的意愿，什么？一定要讲？那好吧，听好了：从前有座山，山里有座庙。
罗丹这么做是为了什么？罗丹苦心孤诣，试图将叙事性从作品中剔除的目的，是为了使观众的目光停留在作品本身，或者说，作品的表面。在罗丹的雕塑上，你不需要通过雕塑去了解一些故事情节，雕塑的所有内涵都写在了罗丹的雕塑表面，艺术家想表达的所有情感都体现在雕塑表面斑驳的纹理上。例如《巴尔扎克》，这件雕塑没有叙事的成分，因此你无法从中读出关于巴尔扎克的故事，但是你却可以从雕塑表面包裹巴尔扎克身体的布料上感受到这位作家的沧桑、坚定和天才。
罗丹《巴尔扎克》当我们观看一件现代的艺术品时，常会不明就里，觉得从作品中看不出"东西"，那是我们习惯于从一件作品中看出内涵，比如在一个人与猛兽搏斗的雕塑中，通过雕塑作品中一个狰狞的人脸联想起自己从前遭受痛苦的表情，然后理解了这个带有狰狞痛苦表情雕塑身上的故事。但在现代主义作品中，我们不能看到类似的故事情节，无法联想到我们自身的经验，更别说从中领会出什么，因为我们没有了"叙事"这一可以用来理解过往古典艺术的工具。
《拉奥孔》正是罗丹将雕塑从"叙事"的禁锢中解放出来，将作品的含义存放在雕塑作品的表面。在他的作品中，你不需要了解雕塑其中的故事，不需要联想到自己先前的经验，作者的雕塑本身就能让你产生一种对作品的感受。罗丹《我很美》当雕塑不需要承载少年大卫杀死巨人哥利亚的故事，不需要传达拉奥孔和他的儿子被巨蛇咬死的神话故事，不需要成为拿破仑的南征北战的赞歌时，我们发现我们能够更直接的欣赏雕塑本身，而非其身上附有的含义，雕塑被铸造时留下的痕迹，艺术家制作雕塑时留下的刀痕，雕塑本身的造型以及雕塑材料本身都可以成为我们欣赏雕塑时的一部分，至此，罗丹的尝试打开了现代艺术的大门。
你从罗丹之后的雕塑家的作品中大概能很直观的感受到这种减少叙事，重视作品本身带给人的感受的倾向。罗丹弟子布德尔的雕塑《帕拉斯的躯干》与罗丹同时代的雕塑家罗索的作品再后来艺术家们开始单独讨论现代主义雕塑中最重要的两个课题：造型与材质。而你在罗丹的雕塑中，已经能隐隐的看出罗丹对这两个问题的初步探索。
当然，罗丹继承了西方古典雕塑的写实手法，你在他的作品中仍然可以看到能够被辨认出的人像，只是这些人像相比于学院派的雕塑多了一些夸张和生动，因此写实类的雕塑在罗丹这里进入了新的高峰。罗丹《伊里斯，众神的使者》逐渐走向僵化的古典雕塑走到罗丹这里，得到了新的发展。
之后的艺术家经过罗丹，终于踏入了现代主义，因此，把罗丹的雕塑称作古典与现代的桥梁，再合适不过了。当然，罗丹作为古典与现代桥梁，仍然有着自身所处时代的限制，现代主义艺术的发展，仍然是之后众多艺术家探索的结果，但至少，在罗丹这里，踏出了第一步。
现代主义艺术家布朗库西曾进入过罗丹的工作室学习，但在一个月后就选择离去。他说：“大树底下无法长成任何小草。“布朗库西《沉睡的缪斯》布朗库西《金色的鸟》至于叙事性，也没有完全的消亡，二十世纪初期，当亨利马蒂斯——罗丹的最佳追随者——创作《珍妮特》这一系列雕像时，重新拾起了叙事的手法，一种与过往不同的，全新的叙事。当然，这是后话了。
马蒂斯《珍妮特系列》罗丹成名后被一个巴黎的公益组织委托做一个巴黎的世界级雕像——文学家巴尔扎克。本来委托时间是18个月，罗丹交出成品的时候已经是7年之后。1898年的展，公众在展会上看到这个罗丹的巴尔扎克以后，心态崩了。这是什么鬼？还我理想中的巴尔扎克，这孙子雕的是一坨屎吗？评论家和路人都没办法接受这样的巴尔扎克会是法国历史上最伟大的作家。
谩骂和甲方拒绝付款，从这件雕塑之后，罗丹的整个艺术家生涯可以说被完全毁了。1898年，这场灾难性事件差点毁了罗丹的艺术生涯。罗丹说：人们可以说这样的雕塑是丑闻，也可以随便摧毁这样的雕塑，可是这样的雕塑，就是我毕生的心血。
当我想出这个创意时，我就是一个新的我。罗丹死后，这个雕塑最终还是被竖在巴黎街头。很多人看不懂罗丹的巴尔扎克，就像很多人看不懂塞尚的苹果为什么能拍价跻身世界前十，很多人也看不懂为什么杜尚的小便池是艺术史上颠覆时代的作品。但是不可否认，罗丹的巴尔扎克，就像杜尚的小便池，复仇者联盟里的灭霸，开启了一种新的雕塑艺术概念，雕塑史界有种说法，雕塑可以分为巴尔扎克前，巴尔扎克后，由此可见罗丹的伟大。修改于2019年6月7日“实用的态度以善为最高目的，科学的态度以真为最高目的，美感的态度以美为最高目的。
”——朱光潜我觉得罗丹的雕塑之所以被称为古典与现代的桥梁，在于他的匠心，“服从自然”原则，因为他的匠心，让他成为古典和现代之间的桥梁。拍摄于巴黎罗丹博物馆拍摄于巴黎罗丹博物馆————————————————————————“服从自然"原则弗朗索瓦•奥古斯特•雷尼•罗丹，他追求自然，服从高精准性的艺术。
在生活中，他喜欢头戴老式礼帽，身穿黑色服装。他没有艺术家浪漫的派头，却像一位拘谨的绅士，严肃的学者。他进行雕像，遵从的法则是“服从自然”。罗丹和他的创作“服从自然”的选择具体体现在他的雕塑上：严酷的写实风格代表作：1、作品《思考者》说起《思考者》的创作由来，其中的故事耐人寻味。19世纪80年代中后期，罗丹与诗人里尔克进行交谈，在聊到欧洲中世纪诗人但丁时，罗丹灵光一现决心创作其雕像。《思考者》的雕塑母体便是诗人但丁，雕塑原名为《诗人》。
从雕塑中不难发现，思考者的牙齿紧紧顶着握紧的拳头。服从自然，客观精确的表现人物。2、作品《巴尔扎克》他的“服从自然”原则也可以《巴尔扎克》中体现。艺术评论家汤俏在《名人密码：罗丹的激情与苦涩》解读到:"光与影成为罗丹赋予这些胶泥，青铜以及大理石以生机的主要手段。他的雕像并不旨在表现恢弘的气势，而更多是以阴影的艺术效果夺人，它们似乎存在于浩瀚与广漠的空间里，从而得到永恒的生命。
"拍摄于巴黎罗丹博物馆拍摄于巴黎罗丹博物馆曲折的求学经历从古典到现代，罗丹的刻苦求学经历塑造了他坚韧不拔的创造精神。18世纪70年代，罗丹师从勒考克，希望将来考取巴黎美院。但是勒考克是巴黎美院既定的“门外七教师”之一，其艺术观念与巴黎美院的完全相反。
巴黎美院崇尚古典美，主张教学传统古典雕塑，体制也较为僵化。相反，勒考克希望罗丹作品充满爆发力，生动而不拘一格。之后，罗丹三次报考巴黎美院，缺被拒之门外。来自巴黎美院学院组成的5人评审团认为罗丹《青铜时代》过于逼真，嘲讽罗丹是利用真人浇铸成雕塑的，罗丹非常气愤，现场面前即兴创作《行走的人》，罗丹的才华才因此被承认。
为此，罗丹自己坦言:“领受公正地批评罢。你讲不难辨识它们。是它们把你惶恐的疑团打破，使你更有定见。不要任凭那些为你所不许的人们支配。"拍摄于巴黎罗丹博物馆二、罗丹雕塑重要倾向：表现畸形与丑陋。在阅读波德莱尔《恶之花》之后，罗丹发现书中内容受世纪病的影响，赞美丑与恶，讽刺粉饰太平的诗歌。于是，他潜心刻画人物的畸形与残缺。内在的感情磅礴于心里，抒发于外貌。重要作品：1868年《塌鼻人》罗丹的姐姐是他灵魂的一半，温柔而又善解人意。
但1863年，姐姐男友因钱与其分手，她因情伤死于抑郁症。罗丹为此伤心欲绝。此时，埃玛尔神父鼓励罗丹了解宗教世界潜心作画，进而入世创造自己的雕塑艺术价值。因此，1868年，刻画流浪汉的《塌鼻人》问世。罗丹说:“在畸形与残缺上，内在的感情在外貌上表现得更为明显，更富有个性。"展现罗丹“畸形与丑陋”特色的雕塑还有1878年创作的《施洗者约翰》。
千山鸟飞绝，万径人踪灭。苦行僧的茕茕孑立，形影相吊在当时有多少人理解？艺术评论家汤俏为此评论道，“略呈内八字的小腿，瘦弱的身躯。表现出的每一步走的庄严与凝重，让人感受到传道者布道的虔诚。“《施洗者约翰》因其冷峻的写实风格终于受世界认可。罗丹的热恋卡蜜尔•克洛岱尔在罗丹的创作生涯乃至一生中扮演重要角色。仿佛是她，带来罗丹艺术灵感的狂喜，推动了罗丹的创作生涯。1883年，19岁的雕塑女天才卡蜜尔与44岁的罗丹相遇。
他们一见面便堕入爱河，如胶似漆。这份爱情仿佛唤醒了罗丹创作的生命力。在与卡蜜尔相处的十年，正是罗丹创作的鼎盛时期。但作为情人的卡蜜尔，与罗丹的关系仿佛永远见不得光，她的天才也被慢慢消磨，最后，个性张扬的卡米尔无奈患上了妄想症。1889年卡蜜尔作品《祈祷者》人生自是有情痴，此恨不关风与月。在罗丹的一生中，遇到过很多人。
其中包括画家埃德加•德加、克洛德•莫奈、诗人里尔克、20岁乡村少女罗斯•博雷，勒考克，埃玛尔神父，以及，给予他全部灵感、举世无双的女雕塑家卡米尔•克洛岱尔。罗丹出身贫寒，30岁经历1870年普法战争，巴黎公社起义，50岁成名。也许正是处于那样一种颠沛流离英雄辈出的时代，他的作品更有一种雄壮与深刻性。罗丹的艺术成就在外国带来了巨大的影响，尤其是德国与英国。德国社会学家，哲学家格奥尔格•奇梅尔曾说，罗丹与尼采把世界上另一种创作方向带到了欧洲传统艺术价值中。
"而罗丹给法国带来的成就，则可以体现在他的捐赠上，“1900年，罗丹在巴黎世界博览会上展出了150件作品。1916年，罗丹将全部作品捐赠给法国政府，以换取政府为他提供的住房与工作室，为此政府建造了“罗丹博物馆”。法国政府享有对罗丹作品复制的专有权。1917年，罗丹去世。“————————————————————————参考资料:1.《名人密码：罗丹的激情与苦涩》，东方出版社，2009年，汤俏编著。2.,:3.4.照片：2017年6月拍摄于巴黎罗丹博物馆。
欢迎大家关注我的个人:青芒的果树大家一起讨论呐～罗丹属于19世纪的现实主义雕塑家，他所处的年代对于现代人来说，他是旧时期，也就是古典主义时期的最后一位雕塑家，同时又是新时期，现代主义的第一位伟大的雕塑家。他的雕塑是以古典主义技法表达现实主义观念，但是要面对雨雕塑语言本身并没有二十世纪的西方雕塑对于雕塑空间和形式语言的大胆探索。所以其实更应该将其定为古典传统的终结者。
